*

Bueno,un año más el curso está llegando a su fin.
Desde el blog os queremos desear un buen verano a todos y que lo paséis lo mejor que podáis.
Pues lo dicho, y no os olvidéis de que también hay tiempo para la lectura.

LOLA BALDRICH

TRAYECTORIA PROFESIONAL:

Tiene estudios de Filosofía y Letras en la Universidad Complutense de Madrid y es licenciada en Arte Dramático por la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid).

En 1988 se le presentó la oportunidad de integrarse a la nueva etapa del ya conocido grupo musical Objetivo Birmania, del cual fue integrante hasta finales de 1990 centrándose a partir de ahí en su carrera como actriz.

En este sentido, su trayectoria ha estado muy ligada al teatro (donde ha participado en numerosos montajes) y a la televisión, destacando su papel en Médico de familia (donde fue la enfermera Gertru, personaje muy querido y que le dio gran popularidad, durante cerca de cinco años ) y en El internado (2010), como la Doctora Lucía García. No obstante, también ha participado en películas y cortometrajes, principalmente con papeles secundarios.

OBRAS DE TEATRO:

• El caso de la mujer asesinadita (2009). Dir.: Amelia Ochandiano.
• Sois la Bomba (2006). Dir.: Alexander Herold.
• Nadie es perfecto. Dir.: Alexander Herold.
• La Dama duende (2000-2001), Dir.: Alonso de Santos.
• Don Gil de las calzas verdes. Los equívocos del clásico.
• Las Mocedades del Cid (1994).
• Carlo Monte en Montecarlo (1995). Opereta de Jard
• La petenera, un drama simbolista andaluz.
• Acércate más (1993). Musical, cercano al Cabaret de pequeño formato.
• El auto de las plantas, el Calderón más místico.
• Tres sombreros de copa.
• La Tierra de Alvargonzález. Poema de Machado.

Mamma Mia:EL MUSICAL

Mamma Mia! es un musical escrito por Catherine Johnson basado en las canciones del grupo ABBA. El título del musical corresponde a uno de los temas de mayor éxito del conjunto Sueco, Mamma Mia, publicado en 1975.

Argumento:

Donna, comienza a recibir a los invitados en su hotel. Las primeras en llegar son sus dos mejores amigas: Tanya, una mujer rica y tres veces divorciada, y Rosie, una mujer soltera a la que le gusta divertirse. Las tres mujeres conversan y hablan sobre cómo las ha tratado la vida, (Money, Money, Money).

Más tarde ese día, 3 hombres llegan: Sam Carmichael un arquitecto estadounidense, Harry Bright, un banquero británico, y Bill Anderson un escritor australiano. Sophie los convence de no decirle a Donna que ella los invitó, (Thank You For The Music). Justo cuando Sophie va saliendo de ahí, Donna entra al establo cantando para si Fernando. Se sorprende mucho cuando ve a sus tres ex novios en el mismo lugar y al mismo tiempo, (Mamma Mia).

Tanya y Rosie encuentran a Donna en su habitación llorando e intentan animarla, (Chiquitita). Donna confiesa a sus amigas que los tres posibles padres de Sophie están en el hotel, pero que realmente no sabe cual de ellos es su verdadero padre. Hace 20 años, las tres cantaban en un grupo llamado "Donna & The Dynamos." Tanya y Rosie intentan convencerla de que aún puede ser la chica que fue alguna vez, (Dancing Queen).

Sophie esperaba que reconocería a su padre en el momento en que lo viera, pero ahora esta más confundida que nunca. Intenta contarle a su prometido Sky sin contarle de verdad lo que había hecho. Sky trata de animarla garantizándole que será el hombre que siempre necesitó y que nunca la dejará porque él ha "volteado su mundo al revés", (Lay All Your Love On Me). Sky es llevado a su despedida de soltero por sus amigos.
En la despedida de soltera de Sophie, Donna, Tanya y Rosie se ponen sus viejos trajes y cantan una canción (Super-Trouper) como "Donna & The Dynamos". Sam, Harry y Bill accidentalmente llegan a la fiesta y son persuadidos para quedarse (Gimme! Gimme! Gimme!).

Sophie encuentra a Bill, y éste le cuenta el porqué del hotel y del nombre de Sophie. Ambos se dan cuenta de que probablemente el es su padre. Sophie le pregunta si quiere llevarla al altar, a lo que el responde que deben discutirlo con Donna. Este ha sido su secreto después de todo, y nadie adivina que Donna tampoco sabe quien es el padre. Sophie insiste, (The name of the game) y finalmente, Bill acepta.

En la despedida de soltera, Sky y sus amigos llegan y las mujeres llevan a Sophie a bailar al centro de la písta. (Voulez vous). Sin embargo, Sam llama a Sophie y Sam le dice que ha comprendido por qué lo ha invitado. El "sabe" que es su padre, y promete llevarla hacia el altar. Sophie se queda sin habla. Luego, Harry se aleja con Sophie y aprovecha para disculparse con Sophie por ser muy lento para entender, y también "sabe" que ella es su hija y le promete llevarla hacia el altar. Sophie se queda sin aire y en medio de toda la gente bailando se desmaya, presa de confusión y nervios.

Esa noche, Sophie tiene una pesadilla en la que sus tres posibles padres luchan por el derecho de llevarla hacia el altar, (Under attack).

Al despertar, Donna encuentra a Sophie perturbada en su cuarto. Donna asume que Sophie quiere cancelar la boda y se ofrece para encargarse de todos los detalles. Sophie se enfada y jura que sus hijos no crecerán sin saber quien es su padre. Como Sophie sale del cuarto, Sam entra e intenta decirle a Donna que Sophie no quería decir lo que dijo, pero Donna no escucha, (One of Us). Sam fue probablemente el hombre que Donna quería más, y ambos desean poder regresar en el tiempo(S.O.S)
Harry le pregunta a Tanya que es lo que tiene que hacer el padre de la novia en una boda. Tanya explica que por su parte, su padre le dio un consejo y luego pagó. Pepper, uno de los hombres jóvenes que trabajan en el hotel de Donna, continua haciéndole proposiciones a Tanya, quien la rechaza (Does Your Mother Know?).
Sky se entera que Sophie había invitado a Sam, Harry y Bill a la boda. La acusa de querer casarse sólo para poder conocer a su padre. A él le duele que le haya mantenido todo su plan en secreto, y sale apenas Sam entra al lugar. Sam intenta darle un consejo paternal a Sophie describiendo su matrimonio arruinado, (Knowing Me, Knowing You), pero eso no consuela a Sophie.
Harry ve a Donna en el cuarto de Sophie y ofrece pagar por la boda, y comienzan a recordar su aventura (Our Last Summer) y Harry sale de la habitación. Sophie llega y Donna la ayuda a vestirse. No puede creer que su hija este a punto de desposarse, (Slipping Through My Fingers). Donna admite que su propia madre la echó de casa cuando supo que estaba embarazada. Ambas se reconcilian y Sophie le pide a su madre que la lleve hacia el altar. Al salir, Sam se acerca e intenta hablar con Donna de nuevo, pero ella no quiere verlo y le pide que se vaya. El se rehúsa y Donna le cuenta como rompió su corazón, cuando le dijo que se casaría (The Winner Takes It All).
Rosie está arreglando los últimos detalles en el hotel cuando llega Bill. Está confundido porque recibió una nota que dice que Donna llevara al altar a Sophie. Bill reafirma su condición como soltero, pero Rosie lo invita a reconsiderar, (Take A Chance On Me). Finalmente, Bill acepta a Rosie.
La boda comienza, con Donna llevando a Sophie hacia el altar. Cuando el sacerdote va a dar inicio a la ceremonia, Donna se levanta y hace un anuncio en el cual saluda al padre de Sophie. Los tres hombres se levantan y se colocan detrás de Sophie, para acompañarla, ya que no se sabe cual de ellos es en realidad su progenitor. El caso de quién es el padre de Sophie es finalmente resuelto: como ninguno de ellos tienen idea de quien es realmente su padre; todos acuerdan que no importa quien sea el padre biológico, ya que Sophie ama a los tres y ellos están felices de ser "un tercio de un padre". Finalmente, Harry, quien había hecho frecuentes referencias a su "otra mitad" a lo largo del show y tras negarse a recibir de nuevo su cheque, revela que tiene una relación homosexual con un hombre llamado Laurence (Nigel en algunas producciones, Peter en la versión rusa, José Francisco en la versión mexicana, Aberlado en la versión española).

Sophie, al ver lo que está pasando, decide no casarse todavía y acepta la proposición que Sky le había hecho de recorrer el mundo juntos en su bote. El sacerdote dice que entonces se supone que no habrá boda, pero Sam aprovecha para proponerle matrimonio a Donna, sacando un anillo de su bolsillo y pidiéndole de rodillas que acepte y así las preparaciones de la boda no sean un gasto. Donna no acepta al principio pues cree que Sam sigue casado, pero él revela que se divorció tiempo atrás; finalmente, viendo la insistencia y el amor de Sam (I Do, I Do, I Do, I Do, I Do)Donna acepta. Al final, Sam y Donna están casados, y Sophie y Sky realizan  un viaje a través del mundo(I Have A Dream)                                           

La cartelera teatral

Une flûte enchantée:

Como en sus anteriores aproximaciones, Peter Brook libera a esta ópera de las convenciones del género. En el escenario, purificado de todo lo accesorio, hay una alfombra, unos tallos de bambú, un piano y unos actores descalzos que cantan en alemán e interpretan el texto en francés. Porque esta es, en palabras de su director, una Flauta mágica "lejos de lo esperado, desprovista de la gran armadura de efectos escénicos y el solemne y pesado simbolismo. En su lugar, el público encontrará a un joven Mozart rodeado de un igualmente joven y talentoso reparto de cantantes y músicos preparados, como el compositor, para improvisar, transponer, explorar nuevos colores y hacer malabarismos con las formas".

Águilas en el jardín:

Es una fábula cargada de ironía sobre los orígenes del mal y también encierra una crítica ácida, en clave de humor, sobre los poderes que dictaminan dónde hay que buscar el mal y cómo atajarlo. Con esta idea como hilo conductor, el actor Pablo Paz da vida en Águilas en el jardín a seis personajes completamente diferentes que participan en un concurso en el que han de demostrar su valor a la hora de enfrentarse a retos para ellos desconocidos de antemano. Una puesta en escena limpia, aderezada con cuatro breves piezas musicales del alter ego de Pablo Paz, Pau Pau, que según que nombre utilice es actor o músico.

La obra es representada desde el 14 de abril de 2011 en el Café Teatro Arenal con Pablo Paz como intérprete y director, esto último junto a Kike Guaza.

La violación de Lucrecia:

A sus más de 70 años Nuria Espert se atreve a llevar a escena un poema de Shakespeare (de 1855 versos) del que no hay constancia de su representación en la escena europea. La actriz catalana interpreta ella sola los cinco personajes que componen esta insólita versión de La violación de Lucrecia: la joven y violada Lucrecia (cuyo ultraje tuvo como consecuencia el fin de los reyes en Roma y la llegada de la republica), el muy poderoso Tarquino, el enamorado marido Colatino, el romano Lucio Bruto y un narrador asexuado que relata esta historia de poder, sexo, política y pasión.

La obra será representada desde el 16 de junio de 2011 hasta el 18 de junio de 2011 en el Corral de Comedias de Alcalá de Henares. La obra dura, aproximadamente, 90 minutos.

Entemeses Barrocos:

Entremeses barrocos es una brillante selección de títulos de Calderón de la Barca, Bernardo de Quirós y Agustín Moreto, versionados por el joven dramaturgo Luis García Arús. Cuatro jóvenes directores -Héctor del Saz, Aitana Galán, Elisa Marinas y Pilar Valenciano- asumen la dirección de un espectáculo que recoge el espíritu ingenuamente canalla del entremés. Pilar Valenciano ha puesto en escena Los degollados, de Calderón; Elisa Marinas dirige El muerto, Eufrasia y Tronera, de Bernardo de Quirós; Aitana Galán se encarga de Elcortacara Agustín Moreto, y Mojiganga de los infiernos de Amor (un texto de nueva  creación que sirve de introducción al espectáculo); y Héctor del Saz dirige El toreador, de Calderón. Sobre el escenario, un total de 22 actores y cuatro músicos.

Celtic Legends:

 Celtic Legends está interpretado por artistas de Galway, Dublín y Belfast que llevan representándolo desde su estreno en largas giras por Europa y EE.UU. Creado por Michael Londra y el bailarín y coreógrafo Ger Hayers, bajo la dirección de Eric Dessauvages, es un espectáculo que narra la cultura tradicional irlandesa, intervienen catorce bailarines y cinco músicos que combinan el claqué impetuoso de sus pies y electrizantes danzas folclóricas con ritmos frenéticos y melancólicas baladas. "Nuestra principal preocupación era la autenticidad, para que así los ancestrales ritmos celtas generasen una atmósfera sobre el escenario que electrizase al público de cualquier lugar, por muy alejado que estuviese de la cuna original irlandesa", cuenta Londra.

Obras del siglo XX llevadas a la televisión o al cine

Bodas de sangre: Federico García Lorca
Es una producción poética y teatral que se centra en el análisis de un sentimiento trágico. Desde la vida y la muerte, a lo antiguo y lo moderno, en la manera de ver la tragedia. Todo ello enmarcado en un paisaje andaluz trágico y universal.
El tema principal que se trata en este gran drama es la vida y la muerte. Pero de un modo arcano y ancestral, en la que figuran mitos, leyendas y paisajes que introducen al lector, en un mundo de sombrías pasiones, que derivan en los celos, la persecución, y en el trágico final, la Muerte. El amor se destaca como la única fuerza que puede vencer a la muerte.
La obra recoge las costumbres de la tierra del autor, que aún perduran. Todo ello a partir de objetos simbólicos, que anuncian la tragedia. Es constante en la obra de Lorca la obsesión por el puñal, el cuchillo y la navaja, que en Bodas de sangre atraen la fascinación, y a la vez, presagian la muerte.

Juego de Sociedad:Juan José Alonso Millán

Pascual, provinciano de clase media, llega a la ciudad en busca de un trabajo. Por la noche, quiere aprovechar el tiempo echando una cana al aire en un night club. Sin saber cómo, se ve mezclado en un grupo decadente de la alta sociedad, que, bajo la promesa de resolverle su problema de trabajo, lo retienen toda la noche. Llevado de un sitio a otro le será imposible abandonar el grupo que juega con él, como si se tratara de un juguete más. 

Luces de Bohemia: Ramón María del Valle-Inclán

Max Estrella, un poeta miserable y ciego, protagoniza la obra. A partir de esa figura real trasciende la anécdota del fracaso y la muerte de un escritor venido a menos. Se convierte en una parábola trágica y grotesca de la imposibilidad de vivir en un país deforme, injusto y opresivo.Esta obra fue llevada akl cine en el año 1985.

Lisistrata: Aristófanes
Está ambientada en la Atenas 411 a. C. Atenas y Esparta están inmersos en una guerra. Como parece que los hombres no consiguen solucionar nada, las mujeres de ambos bandos, lideradas por Lisístrata (Maribel Verdú), se declararán en huelga de sexo hasta que los hombres deciden dejar sus diferencias de lado.
Película basada en el cómic de Ralf König.
El origen de la historia está en la obra homónima de Aristófanes.
 Lisístrata es una película dirigida por Francesc Bellmunt.




Romeo y Julieta: WIlliam Shakesapeare
Romeo y Julieta es una película basada en la obra teatral del mismo título de William Shakespeare.
Quizás la película más famosa de su director, el italiano Franco Zeffirelli, en la que se intentó seguir al pie de la letra el texto original de Shakespeare. Su deseo de ser enteramente fiel con la obra le llevó a respetar incluso la edad real de sus protagonistas. Así, Romeo y Julieta fueron interpretados por un actor de 17 años y una actriz de 15 (los entonces desconocidos Leonard Whiting y Olivia Hussey).
Además, el hecho de que Zeffirelli también destinara parte de su actividad artística hacia la ópera y el teatro se dejó notar en la realización del film, muy cuidado en su dirección artística y en su fotografía en color.

 

Es la historia de dos adolescentes, cuya incontenible y desbordada pasión, coloca el amor por encima de la muerte; se ve dramáticamente marcada por el absurdo y ancestral odio que se profesan dos familias: los Montesco y los Capuleto. La lucha por llevar adelante su amor desencadenará en una tragedia que los unirá finalmente en la muerte.

Banner


Una de las partes del trabajo de esta evaluación nos decía que debíamos hacer un banner que nos permitiera entrar directamente en la página web de la compañía de Teatro escogida,en nuestro caso La Fura dels Baus,y por lo tanto aquí lo dejamos:

La Fura dels Baus

La Fura dels Baus es un grupo de teatro español. Creado en Barcelona en 1979, por Marcel·lí Antúnez Roca, Quico Palomar, Carles Padrissa y Pere Tantinyà, desde 1984 se define como un grupo de teatro urbano que busca un espacio escénico distinto del tradicional. En los ochenta y a través de sus espectáculos Accions, Suz/o/Suz y Tier Mon, la base de su trabajo está formada por una gama de recursos escénicos que incluyen música, movimiento, uso de materiales naturales e industriales, aplicación de nuevas tecnologías y la implicación del espectador directamente en el espectáculo. Todo está dominado por una creación colectiva donde el actor y el autor eran una misma entidad. Esta estética creará su propia definición con el término "lenguaje furero".

Durante los años noventa la compañía ha extendido sus proyectos artísticos al teatro de texto, el teatro digital, la ópera o la realización de grandes eventos, entre otras actividades.

La Fura dels Baus realizó la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de 1992 de Barcelona. Firmas como Pepsi o Mercedes Benz le han encargado "acciones" de promoción.

Fiel a sus principios de creación participativa, La Fura desarrolla proyectos a través de Internet, como Work in progress 97, espectáculo en el que se conectaban escenas que ocurrían simultáneamente en diversas ciudades, dentro de un ámbito de teatro digital.

Con Atlántida de Manuel de Falla y El martirio de San Sebastián de Claude Debussy la compañía se ha adentrado en el mundo de la ópera. Ha preparado una puesta en escena de La condenación de Fausto de Héctor Berlioz para el Festival de Salzburgo 1999.

En febrero de 2007 La Fura realizó la representación de la ópera ORFEO, de Claudio Monteverdi en las bodegas del barco NAUMON en el Port Vell de Barcelona, en el 400 aniversario de su estreno en 1607 en el Palacio Ducal de los Gonzaga en Mantua (Italia) bajo la dirección del clavicentista y director barcelonés Àngel Villagrasa.
También llevaron a cabo el espectáculo principal de las celebraciones del Bicentenario del levantamiento del dos de mayo en 2008 en Madrid.
Por último, también se ha adentrado en la industria cinematográfica con la película Fausto 5.0.
Entre sus espectáculos, premiados en numerosas ocasiones, destacan:

• Accions (1983)
• Suz/o/Suz (1985)
• Tier Mon (1988)
• Noun (1990)
• Manes (1996)
• Fausto 3.0 (1998)
• OBS (2000)
• XXX (2002)

Aquí dejamos algunas fotos de representaciones :

Y una más actual:

Valle-Inclán

Ramón del Valle-Inclán (Villanueva de Arosa, 1869 - Santiago de Compostela, 1935) Narrador y dramaturgo español, cuyo verdadero nombre era Ramón Valle Peña. La muerte de su padre le permitió interrumpir sus estudios de derecho, por los que no sentía ningún interés, y marcharse a México, donde pasó casi un año ejerciendo como periodista y firmando por primera vez sus escritos como Ramón del Valle-Inclán.

De vuelta a España, se instaló en Pontevedra; publicó diversos cuentos y editó su primer libro, Femeninas (1895) que pasó inadvertido para la crítica y el público. Viajó a Madrid, donde entabló amistad con jóvenes escritores como Azorín, Pío Baroja y Jacinto Benavente y se aficionó a las tertulias de café, que no abandonó ya a lo largo de su vida. Decidió dedicarse exclusivamente a la literatura y se negó a escribir para la prensa porque quería salvaguardar su independencia y su estilo, a pesar de que esta decisión lo obligó a una vida bohemia y de penurias.

Tuvo que costearse la edición de su segundo libro, Epitalamio (1897), y por esa época se inició su interés por el teatro. Una folletinesca pelea con el escritor Manuel Bueno le ocasionó la amputación de su brazo izquierdo. Con el propósito de recaudar dinero para costearle un brazo ortopédico que el escritor nunca utilizó, sus amigos representaron su primera obra teatral, Cenizas, que fue su primer fracaso de público, una constante en su futura carrera dramática.

En 1907, Valle-Inclán se casó con la actriz Josefina Blanco y, entre 1909 y 1911, se adhirió al carlismo, ideología tradicionalista que atrajo al autor por su oposición a la sociedad industrial, al sistema parlamentario y al centralismo político. En 1910, su esposa inició una gira por Latinoamérica en la que él la acompañó como director artístico. Durante el viaje, la compañía teatral de María Guerrero y Fernando Díaz de Mendoza contrató a Josefina Blanco y, de vuelta a España, estrenó dos obras de Valle-Inclán, Voces de gesta (1911) en Barcelona y La marquesa Rosalinda (1912) en Madrid.

La obra de Valle-Inclán

Su producción literaria es muy amplia y compleja, porque si bien tocó casi todos los géneros, nunca se ciñó a sus normas, y rechazó la novela y el teatro tradicionales. Estéticamente siguió dos líneas: una, poética y estilizada, influida por el simbolismo y el decadentismo, que lo inscribió entre los modernistas; la otra es la del esperpento (que predominó en la segunda mitad de su obra), con una visión amarga y distorsionada de la realidad, que lo convierte, en palabras de Pedro Salinas, en "hijo pródigo del 98".

Entre 1902 y 1905, publicó las Sonatas, su primera gran obra de narrativa y la mayor aportación española al modernismo. La unidad de estas cuatro novelas recae en el personaje del Marqués de Bradomín, una irónica recreación de la figura de don Juan, convertido en "feo, católico y sentimental". En Flor de santidad (1904), que sigue en la misma línea estética, aparece por primera vez un tema en el que abundó a lo largo de su carrera: la recreación mítica de una Galicia rural, arcaica y legendaria.

En sus tres novelas de la guerra carlista, Los cruzados de la causa (1908), El resplandor de la hoguera (1909) y Gerifaltes de antaño (1909), su estilo se simplificó al despojarse de los adornos modernistas. Por su profundización en los sentimientos individuales y colectivos, la trilogía anticipó sus mejores obras posteriores. Tirano Banderas (1926) es su novela más innovadora y se puede considerar como el primer exponente del esperpento valleinclanesco. Su argumento es la crónica de un dictador hispanoamericano, analizado como la fatal herencia que España transmitió a América. No hay linealidad temporal, sino una serie de cuadros que dan una visión simultánea de los acontecimientos que acaecen en tres días.

Su obra narrativa se completó con El ruedo ibérico, un ciclo novelesco cuyo objetivo era abarcar, en forma de novela, la historia de España desde la caída de Isabel II hasta la ascensión al trono de Alfonso XII. La muerte truncó este ambicioso proyecto, del que sólo vieron la luz La corte de los milagros (1927), Viva mi dueño (1928) y la incompleta Baza de espadas (1932). También aquí rompió la sucesión temporal y la narración se asentó en cuadros, a veces muy breves, discontinuos e independientes, cuya única conexión es el contexto histórico. El lenguaje, proveniente del mundo de los toros y el teatro, con diversos registros idiomáticos que van desde lo refinado a lo chabacano, acentuó lo grotesco de la realidad que describió.

El teatro

La obra dramática de Valle-Inclán es probablemente la más original y revolucionaria de todo el teatro español del siglo XX, al romper las convenciones del género. En palabras de su autor: "Yo escribo en forma escénica, dialogada, casi siempre. Pero no me preocupa que las obras puedan ser o no representadas más adelante. Escribo de esta manera porque me gusta mucho, porque me parece que es la forma literaria mejor, más serena y más impasible de conducir la acción". Se inició con Cenizas (1899) y El marqués de Bradomín (1906), adaptaciones de dos de sus relatos. Todavía inscritas en el estilo decimonónico teatral, manifestaron sin embargo rasgos muy personales, como el gusto por el tema de la muerte, el pecado y la mujer, y la importancia de lo plástico en las acotaciones escénicas.

Las Comedias bárbaras, una trilogía compuesta por Águila de Blasón (1907), Romance de lobos (1908) y Cara de plata (1922), constituyeron la primera gran realización dramática valleinclanesca. En abierta ruptura con el teatro de la época tienen como tema una Galicia feudal y mágica cuyo desmoronamiento se simbolizó en la degeneración del linaje de los Montenegro. Retomó la mítica gallega con El embrujado (1913) y Divinas palabras (1920), y utilizó como protagonistas a personajes populares y marginados. Sus obras más abiertamente modernistas son Cuento de abril (1909), Voces de gesta (1912) y La marquesa Rosalinda (1913), aunque en ellas hay elementos que presagian el cambio de su teatro, como la visión irónica y casi esperpéntica de una España ruda y provinciana que contrasta con la cosmopolita y refinada Francia.

Valle-Inclán dio el nombre de esperpentos a cuatro obras: Luces de bohemia (1920), Los cuernos de don Friolera (1921), Las galas del difunto (1926) y La hija del capitán (1927), estas tres últimas agrupadas en el volumen Martes de carnaval (1930). El autor puso en boca del protagonista de Luces de bohemia, Max Estrella, la explicación a la necesidad de crear un nuevo género escénico: la tragedia clásica no podía reflejar la realidad española, porque ésta se había convertido en "una deformación grotesca de la civilización europea". El esperpento fue, pues, para Valle-Inclán una moderna concepción de la tragedia.

Teatro

La última evaluación ha llegado y vamos a centrarnos en el Teatro,intentándolo hacer  de la mejor manera que podamos.
Esperamos que nuestro esfuerzo merezca la pena cuándo acabemos.
Muchas gracias.
"El rincón de las Hispánicas"

Canción del Jinete

CANCIÓN DEL JINETE

En la luna negra
de los bandoleros,
cantan las espuelas.
Caballito negro,
¿Dónde llevas tu jinete muerto?
...Las duras espuelas
del bandido inmóvil
que perdió las riendas.
Caballito frío.
¡Qué perfume de flor de cuchillo!
En la luna negra,
sangraba el costado
de Sierra Morena.
Caballito negro.
¿Dónde llevas tu jinete muerto?
La noche espolea
sus negros ijares
clavándose estrellas.
Caballito frío.
¡Qué perfume de flor de cuchillo!
En la luna negra,
¡un grito!, y el cuerno
largo de la hoguera.
Caballito negro.

Este poema  de Lorca trata sobre que un caballo negro que  lleva en él un jinete que está muerto. Hay dos poemas de García Lorca con este titulo,pero este es el primero, la versión de 1860.

Ya en el primer verso del poema  se puede decir que está relacionado sobre la muerte:

                                                                        "En la luna negra."

Este verso va apareciendo a lo largo del poema alguna vez que otra y le da una idea negativa.

Este poema no está escogido por nada en especial, lo hemos encontrado y nos ha llamado la atención... Puede ser que sea por la aparición del caballo, ya aparecido en poemas anteriores y que se deduce que a Lorca le gustaban, o eran un símbolo para él.